RE- DEFINICIÓN DEL ARTE DEL FUTURO, A PARTIR DE MI EXPERIENCIA Y PERCEPCIÓN COMO ARTISTA VISUAL...

LO QUE DICEN QUE ES EL ARTE…

Me parece pertinente iniciar el presente ensayo con la definición del arte, según Arthur C. Danto, que en su libro DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE, lo plantea como “el final de lo puro”. Lo que mas me llamó la atención al respecto, es esta idea de que los artistas, independientemente de la disciplina que desarrollan, ya no dudan en disponer su respectivo tipo de arte, mediante el empleo de recursos, que pertenecen a medios del todo diferentes, por ejemplo: pintura ya sea convencional ó body paint, escultura, video, película, instalación, música etc… esto lo podemos ver mucho en el performance o en el teatro que, a mi punto de vista van muy de la mano, aunque preferiría ahondar mas en esto último en la tercer parte del ensayo.

Danto opina que, el arte contemporáneo define y relega actitudes, a una obra que no es suficiente en si misma para lograr sus propósitos. Esto evidencia, hasta que punto, los artistas contemporáneos nos hemos separado, de la ortodoxia estética del modernismo, que insistió en la pureza del medio que lo definía. Ciertamente, no se puede aplicar la “estética de la pureza”, porque esto requeriría poner al desnudo la anatomía comparativa entre las obras de arte modernas y las contemporáneas. También declara el fin del arte, a partir de una idea muy escalofriante.

El habla de que, tanto los grandes relatos legitimadores que definieron primero el arte tradicional, como los que definieron el arte modernista, no solo habían llegado a un final, sino que el arte contemporáneo, no se permite mas a si mismo, ser representado por relatos legitimadores. Dichos relatos excluyen inevitablemente, ciertas tradiciones y prácticas artísticas por estar “fuera del límite de la historia” – frase de Hegel que el autor menciona en varias partes del libro,y por eso llamó tanto mi atención- Danto nos explica que, una de las muchas cosas que caracterizan el momento contemporáneo del arte o “el momento posthistórico”, es que no hay ya, mas linde de la historia.

El nuestro es un momento de profundo pluralismo y total tolerancia, al menos en el arte es así. No hay reglas. Algo que me parece importante citar, mas que nada porque me lleno de dudas y al mismo tiempo despejó un poco mi mente, es la parte en la que el autor dice que: La imposibilidad de imaginar el arte futuro, es uno de los límites que nos mantienen encerrados en nuestro propio presente. Lo cual me pareció muy acertado. Y también confrontante tomando en cuenta que, mi filosofía ha tendido mas al “Aquí y ahora”, que apuntar hacia el futuro.

Al final, también menciona que, glorificar el arte de los periodos previos, por más gloriosos que hayan sido, es desear una ilusión como la de la naturaleza filosófica del arte. Esto lo veo como una certeza que no deja de producirme algo de nostalgia, dado que en general, por alguna extraña razón, es típico de la naturaleza humana implorar por lo que ya no se tiene y que alguna vez se tuvo.

Otra opinión que me parece importante retomar es, la de Ives Michaud en su libro EL ARTE EN ESTADO GASEOSO, donde el autor nos plantea entre muchas cosas, que el Dadaísmo, así como los Ready made de Marcel Duchamp fueron piezas clave para la desacralización del objeto, la galería y el museo como templos del arte.

Incluso su teoría me pareció bastante afín a la de Arthur C. Danto, porque en algún momento, ambos plantean, la situación en que la obra artística; comienza a nutrirse de la multidisciplina, que involucra mas directamente al público, con las acciones que realiza el artista, es a raíz de esta extraña pero muy recurrente necesidad, que surgen otras opciones de arte como son: el Performance, Happening, Body Paint, Land art, Instalaciones, y todo lo que implica el arte de la acción; con tal de justificar un poco, lo que esta ocurriendo en el arte hoy en día.

Algo muy interesante que explica el autor, es el fenómeno de, como la percepción de las sociedades humanas se transforma al mismo tiempo que el modo de existencia y me parece total y absolutamente fenomenal, dado que, es el modo de existencia el que se tiene que adaptar al ritmo de vida de las personas. Y mas aún, no es normal que el artista se tenga que adaptar al medio siendo que debería suceder al revés. Mas adelante me pienso explayar al respecto. Una situación que me llama mucho la atención, es, la manera en como hoy en día, cualquier tipo de disciplina artística invade los espacios con sus instalaciones que pueden estar hechas de todo tipo de elementos no convencionales tomados de la vida cotidiana.

Y si a esto se suma alguna acción, entonces la cotidianeidad se tona mas compleja aún, mas no deja de ser “la vida misma”, según la perspectiva de cada performer.

Todo lo anterior es, por supuesto, con el fin de provocar una experiencia en el espectador. El problema actual es que todos estos factores de relación, no solo los utiliza el arte contemporáneo sino también la publicidad, y esta estrecha convivencia entre ambos campos hace que el público tenga problemas para diferenciar entre una obra de arte y una campaña publicitaria.

Hoy en día todos los negocios son al mismo tiempo arte que publicidad y por eso muchos de los artistas, se ven cumpliendo una doble función o están inmersos en el mundo de la publicidad como diseñadores gráficos o creativos de una agencia. A pesar de que actualmente el arte pop y la reutilización de imágenes cotidianas se llegó a fundir con el consumismo, el arte se ha masificado y acercado a una cantidad considerable de gente.

En general, podemos decir que, según la teoría de Michaud, los artistas contemporáneos no se preocupan de ninguna manera por el público sino mas bien por el efecto que su obra pueda tener en el mismo. Lo que se realice puede ser vigente y artístico sin que nadie se de cuenta de la verdad.

Los procedimientos detallados y minuciosos que ideó Duchamp, tienen como consecuencia el poder transformar lo que sea, en una obra. Con Marcel Duchamp el arte ya no se entiende en términos de sustancia sino de procedimiento, lo cual se hace cada vez mas evidente en el ready made. Esto me gustó porque, como lo menciona acertadamente el autor; la posibilidad de que todo y cualquier cosa se vuelva arte es precisamente la posibilidad del triunfo de la estética. Es justo en este punto, en el que; al generalizarse esta naturaleza del procedimiento, el arte se vaporiza y expande por todas partes.

De aquí el título del libro. Es impresionante ver como el mundo se volvió bello. Ése es el triunfo de la estética. A esta revitalización del mensaje artístico la acompaña la pérdida de la dimensión de lo formal del arte; ya no pretende entregar un mensaje filosófico ni de cualquier índole, sobre el sentido de la existencia porque solamente lo da sobre si mismo. El arte se vuelve tendencia, más que filosofía. Estas nuevas formas de sensibilidad también incluyen a artistas inmigrados, homosexuales, algunos artistas de origen social humilde, o bien artistas multiculturales.

El artista cada vez más deja de tener esa imagen de creador maldito y se convierte una vez más en un operador o un mediador social con una combinación de hombre de negocios, del hombre de la comunicación, del ilusionista y del chamán. Al mismo tiempo las obras de arte, ya no les importa tanto representar o significar. No hacen referencia a un mas allá de si mismas. Ya ni siquiera se les considera objetos sacralizados sino que pretenden producir directamente experiencias intensas y particulares. Algunos como C. Danto, consideran la muerte del arte, en el sentido de que ya no cumple una misión clara, tampoco tiene un fin reconocible y se encuentra trivializado en cualquier elemento de la cultura comercial. Otros verifican con realismo un nuevo régimen de la cultura y del arte. Este posible triunfo que, según lo narra el autor, corresponde a la "vaporización del arte", toma su sentido artístico en el marco de los encuentros y cruces de culturas.


LO QUE YO DIGO QUE ES EL ARTE…

Hoy es Miércoles 22 de Octubre, son la 1:35 horas de la madrugada y después de muchos intentos fallidos, de sentarme en esta silla, para plantear mi definición de arte, y terminar siempre chateando y subiendo fotos a mi hi5, por fin empiezan a llegar cosas raras a mi mente, que me dan la pauta para definir lo que mas amo en el mundo: EL ARTE.

Lo primero que vale la pena mencionar, es que el arte se divide, (según yo) en cuatro importantes facetas: Origen, Conflicto, Aceptación e Inmunidad. A continuación explicaré a que me refiero con cada una.

Origen: Sin especulación alguna, me refiero a la inspiración real. El detonante. No hablo de esa inspiración divina y cliché, que nos pintan como una especie de trance. Podríamos decir que mi concepto de inspiración, tiene una mayor connotación con la palabra respiración, que con alguna especie de anunciación o regalo divino; es decir, la inspiración real es tan natural y necesaria como respirar, no es algo que solo se presente en algunos momentos, es cuestión de reconocer; que para todo y en todo siempre tiene que haber arte implícito, que ni siquiera esta en manos del hombre resolver o fabricar. EL ARTE YA ESTA HECHO, el artista únicamente lo evidencia tomándose de pretexto a si mismo en relación con el universo. Para mi el origen radica en la poesía, en la metáfora, en la belleza que uno puede encontrar incluso en medio del caos, y mas en una ciudad tan estresante como lo es el Distrito Federal.

Me gusta respirar un poco en medio de ese caos y ponerme a buscar algo bello y en el peor de los casos, se que la misma ironía resultara hermosa. Por eso tengo siempre la necesidad, de recurrir constantemente a mis libros de cabecera, los cuales me han ayudado demasiado a comprender el arte, como ningún libro de historia. En lo personal, tanto la poesía metafórica (la belleza en un pedazo de concreto ó en la misma basura) como la poesía literal son absolutamente necesarias para seguir creando. La poesía, no discrimina ni lo sutil ni lo grotesco, simplemente hasta en una grieta puede existir, todo depende de ¿con que ojos decidimos ver la realidad?

En el siguiente fragmento del Canto I, en el Altazor de Vicente Huidobro podremos acercarnos a mi idea de lo que es la inspiración real:



Soy yo Altazor el doble de mi mismo
El que se mira obrar y se ríe del otro frente a frente
El que cayó de las alturas de su estrella
Y viajo veinticinco años Colgado al paracaídas de sus propios prejuicios.
Soy yo Altazor el del ansia infinita
Del hambre eterno y descorazonado
Carne labrada por arados de angustia
¿Cómo podré dormir mientras haya adentro tierras desconocidas?
Problemas Misterios que se cuelgan a mi pecho
Estoy solo La distancia que va de cuerpo a cuerpo
Es tan grande como la que hay de alma a alma
………
Entre telarañas de sepulcros y planetas conscientes
Seguir del dolor al dolor del enigma al enigma
Del dolor de la piedra al dolor de la planta
Porque todo es dolor Dolor de batalla y miedo de no ser.


Cuando lo leí por primera vez, no tarde en empezar a llenarme de imágenes e ideas, algo similar me pasó con Vivo sin vivir de Juana de Asbaje, una de mis máximas fuentes de inspiración: (Fragmento)



Vivo sin vivir en mi
Y de tal manera espero,
que muero porque no muero
………
Esta vida que yo vivo
es privación de vivir;
y así, es continuo morir
hasta que viva contigo;
oye, mi Dios,
lo que digo que esta vida no la quiero;
que muero porque no muero...

Y ya que estamos un poco inmersos en la poesía literal, citaré también un pequeño fragmento del libro de Hojas de hierba de Walt Whitman y su poema Del ondulante océano de la multitud:



TE AMO, MORIRÉ DENTRO DE POCO,
HE VIAJADO UN LARGO TRECHO TAN SOLO PARA MIRARTE,
PARA TOCARTE
PORQUE NO PODIA MORIR SIN HABERTE MIRADO UNA VEZ,
PORQUE TEMÍA QUE DESPUÉS TE HABRÍA PERDIDO.
AHORA NOS HEMOS ENCONTRADO, NOS HEMOS MIRADO,
ESTAMOS A SALVO.

Y así puedo citar a bastantes autores que muy a menudo son mi origen de creación: Alfonsina Storni, Marqués de Sade, Arthur Rimbaud, Pablo Neruda, Gibran Khalil, Filosofia griega, Antonin Artaud, Rabindranath Tagore, Oscar Wilde etc.

Por último, bien vale, citar a María Zambrano, quien en su libro EL HOMBRE Y LO DIVINO nos plantea que, la inspiración es el saber que corresponde con la realidad, significado en el sacrificio.

Comparto su perspectiva y también cuando menciona que, es un saber recibido, mas sin la nitidez del saber revelado. En la inspiración hay también trueque como en el sacrificio, intercambio en que el hombre recibe algo superior, que quizá no le pertenece, un don; don que acrecienta el misterio de donde viene, porque es como una muestra nada más de todo un territorio que debe existir y del que aparece aisladamente. Según Zambrano (me incluyo en su aseveración) es un saber desmedido para el ser humano, que el tendrá que manejar con infinito cuidado.

Pues la inspiración –cosa olvidada ya en los tiempos modernos- ha de arrebatar en el instante que es recibida, pero exige después una delicada medida, un saber tratar con ella, como sucede con todo aquello que estando en nosotros no nos pertenece.

Como conclusión de esta primer faceta del arte, he de agregar que tanto la idea de Zambrano, la poesía literal, así como la metáfora que se esconde en cualquier rincón del universo, me dan la pauta para tener la certeza de que, así como el origen de nuestra materia, se da en el útero materno, del mismo modo, el origen del arte se da en la inspiración real, no en la divina y cliché.

Conflicto: Hemos llegado al punto en el que confluyen todos los demonios internos y externos. Por un lado existe una necesidad real de hacer las cosas, de plantear una idea, reflexión o simplemente hacer partícipe al espectador de alguna inquietud muy personal; pero por otro lado empieza la polémica, las reglas o para no sonar tan severa los patrones o el común denominador que de alguna manera debe seguir mi trabajo para ser lo suficientemente claro y limpio. Desde que nació el concepto de “concepto” en el arte, creo que muchas cosas se empezaron a confundir en la psique del artista en general. Ahora es mas importante justificar la obra a partir de su concepto, que simplemente sentirlo desde lo mas profundo, como un tic nervioso o algo orgánico que, si no lo hago no puedo dormir tranquila.

Obviamente la investigación es a parte, y se da cuando alguien decide darse a la tarea de indagar lo mas posible sobre algún tema y poder obtener otra visión u otro criterio a partir de eso, que posteriormente se dará a conocer a sectores específicos, pero la creación es diferente, no hay límites, una vez que surge el detonante, que es el origen mencionado anteriormente, todo puede suceder menos una cosa: DESOBEDECERNOS A NOSOTROS MISMOS. ¿Cómo se supone que debo dar la cara? ¿Cómo voy a presentar algo “de calidad” ante los ojos de los demás, sin desobedecerme a mi misma? Y por supuesto, sin desatender la necesidad inicial que me llevó a crear algo. Es entonces cuando mi cabeza se llena de preguntas al estilo: ¿Qué es arte?, ¿Quién decide lo que es o lo que no es arte? O mejor aún ¿Quién está capacitado realmente para asumir una responsabilidad de semejante magnitud?

Tengo una teoría, pienso que el arte, llámese clásico, antiguo o contemporáneo, no deja de ser finalmente atemporal. Yo no tengo que saber ¿Qué día es hoy? o ¿Qué hora es? Para definir lo que siento, lo que pienso, lo que percibo o en lo que creo y por consiguiente, lo que quiero expresar por medio de un cuadro o de un performance.

Para mi el arte ha sido eso incluso a través del tiempo, es decir; pensar, sentir, captar, transmitir etc. De hecho, el artista es su propio tiempo, la vida no es mas que eso: tiempo, que empieza a correr y tarde o temprano se acaba.

“ConTEMPOráneo” me parece una palabra subjetiva. El arte contemporáneo de hoy, como concepto para mi no existe, porque lo que hoy se considera contemporáneo, el día de mañana tendrá otro nombre!!! Esto me lleva a la apropiación y resignificación de un lema; al arte no hay que definirlo, simplemente hay que llevarlo a cabo con conciencia absoluta de lo que estamos proponiendo, simplemente hay que dejarlo nacer de las entrañas y de las vísceras, si no altera de algún modo nuestros sentidos, si no remueve nuestro interior y si no duele y al mismo tiempo da placer, entonces no es arte.

Por lo que se refiere a lograr una experiencia en el espectador, creo que la experiencia es mas bien mutua, el artista atemporal (quien a mi punto de vista es el verdadero guerrero) es un reflejo de todo, de todos y viceversa. El acto artístico es un “efecto espejo”, de modo tal, que para que exista una catarsis el espectador se tiene que reflejar de alguna manera con lo que está presenciando, llámese agradable o desagradable a su gusto y el artista atemporal, también debe ser conciente de lo que esta reflejando, finalmente cualquier manifestación artística, hasta lo más complejo o difícil de entender, deriva de la experiencia. ¿Cómo lograr percibir cuando y dónde hay arte?, y mas si tomamos en cuenta que vivimos un tiempo en el que muchas cosas pueden ser consideradas como arte.

Pienso que el arte por un lado (y como lo dije en un principio) ya esta hecho, y por supuesto lo que se evidencia del mismo deriva del artista y la devoción casi enfermiza hacia este trabajo. Si lo que yo ejecuto, es considerado o no arte, creo que no serviría de mucho, si no me apasionara tanto, aunque tuviera el reconocimiento y hasta un buen patrocinio.

El arte ya no se entiende en términos de sustancia sino de procedimiento. Eso seguramente es muy cierto. El resultado de una obra alimenta el ego, pero el procedimiento alimenta las almas. Todas y cada una de las almas que nos habita. Ego solo hay uno, en cambio almas, son muchas y me atrevo a pensar que en el caso del artista atemporal son mas. El artista atemporal, necesariamente indaga en otras disciplinas que le ayuden a nutrir e indagar mejor su propio trabajo y llevarlo a cabo… Y al final, nunca será la propuesta del artista la que se ajuste a la realidad, sino al revés.

Aceptación: Desarrollar a lo largo de nuestra vida, y por nuestras específicas circunstancias, una sensibilidad particular para tener inspiración como aire en los pulmones y poder entrar en conflicto no es cosa fácil.

Pisamos un terreno en donde somos indefensos y vulnerables, propensos a auto boicotearnos conciente o inconscientemente, a poner el dedo en la llaga o en las llagas una y otra vez. Si al médico se le reconoce haber invertido tanto tiempo de preparación, para poder tomar un bisturí y abrirnos el estómago, creo que al artista se le debería de reconocer, haber invertido y seguir invirtiendo por siempre, tanto tiempo de preparación, para poder abrir mentes, almas y corazones (metafóricamente, claro) a partir de su propio dolor, angustia, miedo, frustración, felicidad, armonía etc.

El artista es el “medium”, que conecta el mundo externo real, con el inconsciente colectivo. ¿Qué es el arte para mi? Muchas cosas: experiencia de vida que simplemente no se puede vivir de otra manera, un acto de amor, rendirse totalmente y no oponer resistencia de ningún tipo a la hora de crear, el superlativo de nuestras emociones, alegrías, tristezas, aberraciones, pasiones, inmundicias y también de nuestro Yo divino. ¿Quién le confiere a algo la calidad de "artístico"? ¿El artista, el receptor, el crítico? ¿El hombre común? Al final, el nombre es lo de menos, lo ponga quien lo ponga, al final; creo que el arte es libre incluso al momento de ser juzgado, todo depende de quien se entrega. Y que tan dispuesta este a librar su propia batalla.

La aceptación es aquel momento glorioso en el que el artista se quita la máscara y se expone a si mismo ante los demás, sin importar el efecto que pueda llegar a producir. Cuando el artista es capaz de “expandirse” a través del tiempo-espacio y empieza a buscar distintos lugares para dar a conocer su obra o empieza a compartir su trabajo con personas totalmente ajenas a su vida, es porque seguramente, ha logrado aceptarse y aceptar su trabajo tal cual es. En este punto. El artista sabe exactamente lo que quiere decir y hará lo posible, para que su voz llegue hasta donde tenga que llegar.

Inmunidad: Una vez que el artista acepta y asume su propia obra, adquiere inmunidad, de modo tal que, no puede haber comentario o crítica que perjudique su proceso.

Después de las tres etapas anteriores, el artista debe tener una idea clara de ¿Quién soy? ¿Hacia donde voy? Y ¿Qué estoy haciendo? (esta filosofía pertenece a los misterios eleusinos) Esta es el área de confort, la playa virgen… El punto en el que el artista puede atravesar el pantano y no ensuciarse lo mas mínimo.

RELACIONES ENTRE MI PROPUESTA Y EL ARTE DEL FUTURO.

El arte escénico, aborda lugares que, sobretodo en las últimas décadas, van desde lo más conceptual ó figurativo, hasta lo mas abstracto y minimalista. Parece construir otras realidades, ficciones, creaciones ó atmósferas, que, invariablemente aparecen desde un centro común: el cuerpo del artista. Esa posible escritura efímera, la geografía corporal, en oposición o acuerdo a la del espacio/tiempo, que deja plasmada su huella, es por la que me interesa investigar; las posibilidades tan amplias que ofrece, el lograr comunicar ciertas ideas a través del principal instrumento de trabajo de cualquier artista, que es su propio cuerpo en acción. A través del performance, se crea otro lenguaje. Es un híbrido que se nutre de muy diversas disciplinas, y en el mundo actual, me parece pertinente intervenir la realidad a partir de una idea que, al convertirse en proyecto formal y posteriormente en acción e instante vivo, lleva todo un desarrollo, en el que también se encuentra absolutamente involucrada la parte receptora, es decir, el espectador.

El performance, es un arte en constante saboteo personal, en deconstrucción o en proceso de fortalecimiento, por lo tanto me parece honesto, profundizar realmente en su estudio e investigación; antes, durante y después de llevarlo a la práctica, y en función de mis rituales muy personales, con los que de alguna manera estoy reconstruyendo y reinterpretando la realidad no solamente mía.

Todos tenemos, en algún punto contacto con el miedo y la inseguridad, no solo a nivel global, sino con nosotros mismos. Sin pretensiones sexistas, estoy segura de que en el caso de las mujeres, esto siempre se agudiza mucho más y si hablamos de la mujer mexicana y además citadina, peor aún.

A pesar de que, en términos generales, la mujer mexicana se ha emancipado y desarrollado cada vez mas, a lo largo del tiempo, al grado de que cada vez es mas evidente su intervención y trascendencia en cualquier ámbito; llámese social, político, cultural etc no deja de ser evidente que vivimos en un país de naturaleza machista y en una sociedad en la que los estereotipos que nos imponen los medios masivos de comunicación, lo son todo. Y no hay marcha atrás. Pretendo que el público reflexione, acerca de la poética que se encierra en nuestro entorno femenino, incluyendo nuestras propias inmundicias, derrumbes e inseguridades, que por lo general vienen en diferentes presentaciones de formas, imágenes y cuerpos.

Que el público voluntario o involuntario descubra esa belleza que existe en cada detalle y a cada lugar al que uno voltea, incluyendo la belleza de lo grotesco y, por supuesto la gran belleza que hay dentro de cada uno de nosotros, pidiendo a gritos ser liberada del peor y mas corrupto juez, que es el que habita en nuestra cabeza.

Considero que la parte mas rescatable de mi propuesta, es que hoy en día, cada vez se torna mas difícil el verdadero placer y deleite por las cosas simples. En una ciudad estresante y caótica las cosas simples ya no tienen mas cabida. La tecnología va en aumento (lo cual también pretendo aprovechar de una u otra manera, a su debido tiempo), la polución y explosión demográfica también van en aumento (lo cual también pretendo aprovechar de una u otra manera, a su debido tiempo) Vivimos un momento en el que todo es reciclable, el arte mismo que, como mencioné en un principio YA ESTA HECHO también es reciclable, ahora solo es cuestión de empezar desde el origen a cada paso, y haber esto a donde me lleva.

Quiero indagar en algo que para mi siempre ha sido una mezcla entre misterio, aberración y arma de doble filo: el cuerpo, y que mejor que ver y sentir el cuerpo, mi cuerpo a través del performance. Insisto, vivimos en una ciudad desamorada, asqueada de muchas cosas, que impiden apreciar la belleza que a veces se esconde hasta en el papel hecho bolita tirado en el piso…junto al bote de basura; y que ante nuestros ojos pasa desapercibido con tanta contaminación sensorial, e incluso espiritual.

BIBLIOGRAFIA: 1) C. DANTO, Arthur. Después del fin del arte. Paidós. 2) CRUZ, Juana Inés de la. Antología poética. Alianza editorial. Madrid 2004. 3) HUIDOBRO, Vicente. Altazor. Colección Reino imaginario. Ediciones Coyoacán. 2001. 4) MICHAUD, Ives. El arte en estado gaseoso. Fondo de cultura económica. Breviarios. 5) WHITMAN, Walt. Hojas de hierba. Grupo editorial Tomo. 2003. 6) ZAMBRANO, María. El hombre y lo divino. Breviarios. Fondo de Cultura Económica. 1986.